Award Voting Opus – International Stage Award

Dieses Projekt wurde eingereicht für die Kategorien: Opus - International Stage Award , Opus - Event Lighting, Opus- Immersive Sound, Opus - Camera & Image

„Heaven & Dirt“ ist das erste große Konzert der Band Deca Joins. Es ist das Konzept des Konzerts, das beschreibt, wie wir unsere Zeit verbringen würden, wenn wir auf der Reise des Lebens verschiedene Begegnungen hätten. Daher wurde das Bühnenbild von „Round Sky and Square Earth“ in ein physisches Symbol verwandelt, indem eine riesige kreisförmige Lichtstruktur verwendet wurde, die sich über die Köpfe des Publikums spannt und oben den Hauptraum bildet. Des Weiteren wurden bewegliche rechteckige LED-Bildschirme genutzt, die den Boden darstellen, um den Effekt zu erzielen, dass die Künstler visuell vom Video verdeckt werden können. Der Fokus liegt darauf, dem Publikum ein beeindruckendes, aber einfaches und kraftvolles visuelles Erlebnis zu bieten.

Die Musik von Deca Joins kann auf dem heutigen Markt als nicht-mainstream, künstlerisch und poetisch eingestuft werden. Daher unterscheidet sich das ästhetische Design und die Präsentation dieses Konzerts von einem typischen Konzert.

Technologie:

LED:

Es wurden 600 LED-Leuchten des Typs LC 7.81 von Gloshine verwendet, die ein geschlitztes Design haben und die Sichtbarkeit durch einen halbtransparenten, geschichteten Effekt verbessern.

Beleuchtung und Laser:

Das Beleuchtungsdesign für diese Show ist bewusst einzigartig und verwendet nur drei Arten von Beleuchtungskörpern, die mit Lasern kombiniert werden, um die Atmosphäre der Musik zu erzeugen. Die Beleuchtungskörper sind um die kreisförmige Fachwerkstruktur herum angeordnet, wodurch eine visuelle Paarung der kreisförmigen Form, die das Thema der Show darstellt, mit der rechteckigen Form der LED-Bildschirme entsteht. Es wurde auch ein maßgefertigter wellenförmiger reflektierender Spiegel geschaffen, um einzigartige Laser-Brechungseffekte zu erzeugen.

• ACME AECO20 x38
• ACME CM S2 x132
• ACME TB-1230 QW x138
• 30W Vollfarb-RGB-Laser x5
• Reflektierender Spiegel x3

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Heilungs Auftritt beim Roskilde Festival 2024 war das erste Mal, dass ein großes Live-Konzert auf dem Festival mit immersiver Audio produziert wurde. Das Ziel war es, einen Raum zu schaffen, der inklusiv ist und das Publikum noch stärker in die eigentliche Aufführung einbezieht. Dies könnte zukunftsweisend sein, um Konzerte auf eine andere Art und Weise zu gestalten und einen Klangkreis um alle Anwesenden herum zu schaffen. Jedes Heilung-Ritual zielt darauf ab, das Publikum in das Ritual einzubeziehen, und mit dem immersiven Aufbau beim Roskilde Festival 2024 wurde ein weiterer Schritt in diese Richtung getan. Die Zusammenarbeit zwischen Meyer Sound, dem Roskilde Festival und Heilung erwies sich als sehr stark

Die Vorbereitungen für dieses Setup erforderten monatelange harte Arbeit aller Beteiligten, aber mit diesem Projekt haben wir ein aufregendes neues Format in großem Maßstab zum Laufen gebracht und sind nun auch in der Lage, es sowohl nach oben als auch nach unten zu skalieren.

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„#5525“ ist eine groß angelegte Tour von Mayday zu ihrem 25-jährigen Jubiläum. Das Programm verband auf geschickte Weise die Erinnerungen der Fans und Mayday und führte sie mit Musik durch Zeit und Raum.

Die Bühne löst sich von der bisherigen 2D-Leinwand und hat einen Durchmesser von 12 Metern sowie fünf 5 Meter große 3D-LED-Kugeln mit 13.000 speziell angefertigten LED-Teilen. Ihre Oberflächen sind nahtlos miteinander verbunden, um einen dreidimensionalen Raum zu schaffen, in dem Bilder klarer zu sehen sind. Im Verlauf der Performance kann es sich um eine Erde, einen Mond, einen Ballon usw. oder um eine Seele, eine Gehirnwelle oder eine Erinnerung handeln. Die Methode visualisiert die Musik und ermöglicht es dem Sänger, mit der Bühne zu interagieren, wodurch die Performance noch eindrucksvoller wird. Der Konsolenbereich wurde als Halbkugel in das Bühnenbild integriert, während der Sockel der Bühne ebenfalls mit LED ausgestattet ist, wodurch die Bilder entsprechend den Kugeln erweitert werden können.

Es handelt sich um ein umfassendes, in Storytelling, Sound und Licht integriertes Designerlebnis, das Songs in Originalversion und neuen Arrangements umfasst. Neben den sensorischen Effekten wie Licht und Laser werden auch die Geschichte der Band und die Erinnerungen der Fans in den Videoinhalt eingestreut.

Technik:

*Video:

Lieferant der Videoausrüstung:

B'in Live Co., Ltd.、Shenzhen Showho Technology Co., Ltd、Xuancai audio-visual

*Beleuchtung:

• Grand MA3
• ACME
• ACME
• Fine-Art 440 BSW(30ch) x48
• Fine-Art 470 BSW(30ch) x34
• EK H 1 Follow-Spot x8
• Longda LQ5000L 5K Follow-Spot x14
• ACME
• EK Collider x100

Lieferant der Beleuchtungsausrüstung: SHANGHAI KEEN SUCCESS SOUND AND LIGHTING EQUIPMENT CO.,LTD.

*Audio:

PA-System:

• L Acoustics

Monitor-System:

• L Acoustics
• FOH-Konsole:
• SSL L650
• SSL Remote Tile

Monitor Console :

• SSL L550 Plus

*Bühne:

• Hauptbühne: Breite 90 m x Höhe 28 m x Tiefe 25 m mit 10 Bühnenliften
• Laufsteg: Gesamtlänge 28 m
• Unterbühne: Rundbühne mit Dreh- und Hebemechanismen

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Murmuration ist ein innovatives und fesselndes choreografisches Meisterwerk, das die Grenzen des künstlerischen Ausdrucks durch synchronisierten Tanz und Tutting erweitert. Die von Sadeck Waff geschaffene Performance ist von den harmonischen Bewegungen des Vogelschwarms inspiriert und erforscht die Schönheit der menschlichen Geometrie in ständiger Bewegung. Jede Sequenz bietet ein einzigartiges visuelles und emotionales Erlebnis, das mathematische Präzision mit poetischer Körperlichkeit verbindet.

Innovation steht im Mittelpunkt von Murmuration, wobei komplizierte geometrische Formen durch eine perfekt orchestrierte kollektive Choreografie zum Leben erweckt werden, die das Publikum in ihren Bann zieht und in ihren Bann zieht. Die Show feiert Inklusion und Vielfalt und präsentiert Tänzer mit unterschiedlichem Hintergrund, was den Reichtum menschlicher Zusammenarbeit widerspiegelt.

Nachhaltigkeit ist ein Eckpfeiler des Projekts, das verantwortungsvolle Produktionspraktiken integriert und bei Kostümen und Bühnenelementen Designs aus der Region bevorzugt. Mit seinem experimentellen Charakter überschreitet Murmuration traditionelle Tanzweisen und macht jede Aufführung zu einer Feier der Verbindungen zwischen Kunst, Natur und Menschlichkeit.

Das Publikum ist eingeladen, seine Wahrnehmung von Bewegung neu zu definieren und das zarte, harmonische Gleichgewicht der kollektiven Kreation zu bestaunen.

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Die Bühne ist ein Ort der Magie, wo die Grenzen zwischen Realität und Fantasie verschwimmen. Die Bühne der Komischen Oper Berlin wurde zum Schauplatz einer magischen Inszenierung für das Musical Chicago.

Michael Levine setzte als Bühnenbildner die Wünsche von Star-Regisseur Barry Kosky in Perfektion um. Dieses Werk wurde nicht nur durch die brillante Aufführung, sondern auch durch eine innovative Lichtgestaltung mit einzigartigen 24V LED-Glühlampen zu einem unvergesslichen Erlebnis.

Die 7000Stück spezieller LED-Glühlampen wurden nicht nur für ihre beeindruckende Anzahl ausgewählt, sondern auch für ihre technologische Raffinesse.

Jede Glühlampe wurde mit hochmodernen 24V LED-Technik ausgestattet, um eine präzise Ansteuerung und Dimmbarkeit zu gewährleisten. Die Flicker-Free-Technologie war entscheidend, um ein nahtloses und angenehmes visuelles Erlebnis für die Zuschauer zu gewährleisten.

Flicker-Free bedeutet, dass die 24V LED-Glühlampen mit einer Frequenz betrieben werden, die vom menschlichen Auge nicht wahrgenommen wird. Dadurch entsteht eine flimmerfreie Beleuchtung, die nicht nur die Augen schont, sondern auch eine immersive Atmosphäre schafft.

Die Lichtregie, unterstützt durch 1500 maßgeschneiderte Steuerelektroniken, ermöglichte es, jede LED-Glühlampe individuell zu steuern und zu dimmen. Dies schuf nicht nur eine beeindruckende visuelle Präsentation, sondern verlieh auch jeder Szene des Musicals eine einzigartige Atmosphäre.

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Die ungarische Staatsoper präsentierte das Stück in dem Eiffel Art Studios, dem größten Hallenkomplex der ungarischen Eisenbahngeschichte aus den 1880er. Dort entstand ein einzigartiges Proben- und Produktionszentrum mit Probebühnen, Werkstätten, Ballettsaal und mit 3 Bühnen mit flexibler Bestuhlung, das seinesgleichen sucht. In dem Herzstück, der zentralen Halle des Komplexes, fand die Aufführung als raumgreifende Installation für 400 Zuschauer statt. In dieser wurde der gesamte, über 50m lange, Raum szenisch aufwendig verknüpft und innovativ genutzt: mit nur wenigen, gezielt eingesetzten Mitteln und unter weitestgehender Verwendung von Standardmaterialien wurde eine nachhaltige szenografische Lösung geschaffen. Die Zuschauertribüne wurde aus modularen Segmenten der Standardtribüne, die in von der Staatsoper selbst entworfen wurde, zusammengesetzt. Auch die riesige, originale Lokomotive mit angeschlossenem Speisewagen in der Halle wurde gewinnbringend für das Erlebnis dieser Inszenierung genutzt. So entstand ein experimentelles Theaterdesign, das eine ungekannte Nahbarkeit für das Publikum bot: auch das Orchester war mitten im Geschehen platziert.

In der räumlich unmittelbar angeschlossenen Bánffy Bühne wurden Chorszenen und weitere Handlungen live gespielt und per Livevideo und -ton in die Halle übertragen. In der Regie von Operndirektor und Regisseur András Almási-Tóth, dem Bühnenbildner, Licht- wie Videodesigner Sebastian Hannak, dem Dirigat von Gergely Vajda und den Kostümen von Richárd Márton wurde eine spektakuläre Operninszenierung für ein neues Publikum geschaffen. Ein umfangreiches technisches Team kümmerte sich in dieser ungewöhnlichen Anordnung um die reibungslose Vernetzung und Koordination von Video, Licht, Ton und die offenen szenischen Umbauten. Live-Kameraoperator begleiteten sowohl die Szenen in der Halle sowie die aus der Bánffy Bühne übertragenen Szenen. Die Sänger*innen trugen Mikroports, die einen gleichmäßigen Klang über die gesamte Länge der Halle ermöglichten. Drei riesige LED-Screens für Livevideo, Bilder und Untertitel hingen von der hohen Hallendecke gegenüber dem Publikum. Ebenso zwei 40m lange Traversen mit der ausschließlich aus Movinglights bestehenden Beleuchtung. Die Halle wurde an den Längsseiten mit einem roten Samtvorhang verkleidet, der auch akustisch von Vorteil war, als auch mit einem über 70m langen gemalten Prospekt, der an eine historische chinesische Rollenmalerei angelehnt wurde. Diese lebendige wie immersiv- überwältigende Inszenierung erzeugte ein faszinierendes, vielschichtiges Erlebnis

Dieses Projekt wurde eingereicht für die Kategorie: Opus - International Stage Award

In einer bahnbrechenden Verschmelzung von klassischer Oper und modernster Technologie präsentiert flora&faunavisions den weltweit ersten digitalen "Ring-Zyklus" - eine revolutionäre 15-stündige Produktion von Richard Wagners "Ring des Nibelungen". Diese Neuinterpretation verwandelt den Klassiker in eine zeitgenössische Fantasiewelt mit 83 Musikern, 102 Stimmen und 200 Personen hinter den Kulissen. Das innovative Bühnenbild umfasst bewegliche LED-Bildschirme und als besonderes Highlight in "Die Walküre" einen sieben Meter hohen, 3D-gescannten Bonsai-Baum. Der Ring-Zyklus besteht aus vier Teilen: "Das Rheingold", "Die Walküre", "Siegfried" und "Götterdämmerung". Die Produktion verbindet traditionelles Operntheater mit Technologie durch Bewegungssensoren, interaktive Kostüme und synchronisierte Animationen. Verteilt über acht Tage ermöglicht die Produktion dem Publikum, sich jeden zweiten Abend in eine der vier Opern zu vertiefen.

Mit einem Team von 83 Musikern, 102 Sängern und 200 Mitarbeitern hinter den Kulissen ist diese Produktion eine monumentale Leistung. flora&faunavisions setzt durch den kreativen Einsatz digitaler Technologie neue Maßstäbe im Bühnenbild und erschafft eine immersive und dynamische Kulisse. Riesige LED-Bildschirme dominieren die Bühne, wobei Rückwandpaneele und Seitenpaneele choreografiert und nahtlos bewegt werden. Diese Paneele, die sich räumlich bewegen können, reagieren dynamisch auf die Live-Aufführung und verwandeln die Bühne in eine responsive visuelle Landschaft.

Dieses Projekt wurde eingereicht für die Kategorie: Opus – Event Lighting

M O N O L I T E ist eine Lichtinstallation die im Rahmen der "Aljoscha Höhn Event Night" im Dezember 2023 in den Böhlerwerken in Düsseldorf zu sehen war. Die Lichtsäule die sich im Welcome- Bereich der Eventlocation befand, lud die Betrachter zum Verweilen und zur Inspiration ein. Licht im Raum einfangen, erlebbar machen und die Irritation erzeugen, Das Medium Licht als endlichen Strahl darzustellen war der Impuls hinter der Idee. Der M O N O L I T E kann gleichermaßen zurückhaltend wie impulsiv sein. Er erweckte den Anschein mit seinen Betrachtern zu Tanzen und in Interaktion zu treten, in anderen Phasen des Abends war er als Stillleben zu betrachten.

Der M O N O L I T E ist eine Installation die aus 16 Beam Movinglights in einem engen 4x4 Raster angeordnet am Boden stehend, sowie in dieselbe Achse Horizontal zu den Scheinwerfern gespiegelte Moving-Spiegel besteht. Die Moving-Spiegel hängen an einem C1-Traversensysg welches eine weitere Achse zur Umlenkung der Lichtstrahlen bietet. Km Sockel der Installation waren Nebelmaschienen verbaut um die Lichtstrahlen sichtbar zu machen, ebenso fanden dort Lautsprecher ihren Platz, auf dessen Geräusche das Lichtobjekt reagierte. Als Movinglights kamen Clay Paky Xtylos zum Einsatz, als Movingspiegel wurden Clay Paky REFLECTXION spezifiziert. Das Lichtsystem wurde durch eine GrandMA3 gesteuert, das C1-System war von der Firma Movecat

Dieses Projekt wurde eingereicht für die Kategorie: Opus – Camera & Image

In Ihrer ARD-Sendung „Maischberger“ moderiert Sandra Maischberger aktuelle politische und gesellschaftliche Themen, wobei sie eine Vielzahl von Gästen aus Politik, Wirtschaft und Gesellschaft zu kontroversen Diskussionen zu Gast hat. Die Sendung zeichnet sich durch tiefgehende Analysen aus, bei denen unterschiedliche Perspektiven beleuchtet werden. Dadurch wird den Zuschauern eine Möglichkeit gegeben, sich intensiv mit relevanten Themen auseinanderzusetzen.

Dieses Projekt wurde eingereicht für die Kategorie: Opus – Camera & Image

Die ZDF-Sendung zur Wahlnacht der USA 2024 bot vom 05. November auf den 06. November eine mehr als sechs Stunden lange Live-Berichterstattung, bei der die Zuschauer die ersten Zahlen und Daten direkt aus den USA erfuhren. Moderatorin Shakuntala Banerjee führte durch die Info-Nacht, die von Gesprächen, Analysen und Einschätzungen begleitet wurde. Zu Gast waren unter anderem der Amerika-Kenner Claus Kleber sowie Wissenschaftsjournalistin Mai Thi Nguyen-Kim. ZDF-USA-Korrespondent Elmar Theveßen und „auslandsjournal“-Moderatorin Antje Pieper wurden live vom Dach eines Hotels gegenüber dem Weißen Haus zugeschaltet. Mit Gästen aus Politik, Unterhaltung, Wissenschaft und Gesellschaft wurde die Richtungswahl in den USA umfassend beleuchtet.

Dieses Projekt wurde eingereicht für die Kategorie: Opus – Camera & Image

Die Fußball-Bundesliga der DFL/Sportcast ist die erste Liga im deutschen Männerfußball und gehört zu den bedeutendsten Fußballwettbewerben weltweit. Sie besteht aus 18 Mannschaften, die in einer Saison gegeneinander spielen, um den Meistertitel zu erringen. Die DFL (Deutsche Fußball Liga) organisiert die Liga, während Sportcast für die Übertragung und Vermarktung der Spiele zuständig ist. Mit hochklassigem Fußball und einer großen Fanbase sorgt die Bundesliga regelmäßig für packende Matches und spannende Saisonverläufe.

Dieses Projekt wurde eingereicht für die Kategorie: Opus - Immersive Sound

Ein Besucher verwandelt kosmische Phänomene in Echtzeit in schimmernde Klangkaskaden.

Myonen – uralte subatomare Teilchen, die in den Tiefen des Kosmos entstehen – werden durch einen maßgeschneiderten Detektor, der im Veranstaltungsort aufgehängt ist, in Licht und Klang umgewandelt. Jedes Myon legt unvorstellbare Entfernungen von Millionen von Lichtjahren von schwarzen Löchern oder explodierenden Sternen zurück.

Bei seiner Ankunft löst seine Energie eine kinetische Reaktion aus und entfacht ein sensorisches Spektakel in einer 65 Meter hohen, in der Dunkelheit schwebenden Struktur.

Acht strategisch positionierte Lautsprecher lassen das Publikum in eine außerweltliche räumliche Symphonie eintauchen. „Visitor“ verwischt die Grenze zwischen Kunst und Wissenschaft, Technologie und Magie, indem er Größe, Entfernung und Verbindung erforscht. Als Verschmelzung des Kosmischen und des Irdischen lädt Visitor das Publikum ein, über die Weite des Universums, die Zerbrechlichkeit unserer Existenz darin und das Geheimnis der unsichtbaren Kräfte um uns herum nachzudenken. Die Installation stützt sich stark auf maßgeschneiderte Technologie, die speziell für das Projekt entwickelt wurde.

Dazu gehören gehackte Versionen der kosmischen Uhr, um unseren eigenen Detektor für kosmische Strahlung zu erstellen, der Live-Daten der kosmischen Strahlung in MIDI und DMX umwandeln kann, die dann zur Auslösung von Klängen und Beleuchtung verwendet werden.

Der Detektor für kosmische Strahlung verwendet einen Arduino und ist über Processing verbunden.

Für die Kompositionen und generativen Klanglandschaften wird auf Ableton Live zurückgegriffen und es wurden maßgeschneiderte Max-for-Live-Geräte erstellt, um Samples und eine sich ständig verändernde Reihe von Klangpaletten auszuwählen.

Dieses Projekt wurde in der Kategorie „Opus – International Stage Award“ eingereicht.

„Particle Dance„ ist ein einzigartiges Gemeinschaftsprojekt von Künstlern, Tänzern, Musikern, Technikern und Wissenschaftlern.

Die Performance findet im und um den “Particle Shrine" statt, eine generative Installation, die kosmische Strahlung in fünf Detektoren erfasst und die Energie in Klang, Licht und Schwingungen umwandelt.

Kosmische Strahlung sind geheimnisvolle subatomare Teilchen aus den Tiefen des Kosmos. Wissenschaftler erforschen sie ständig, um die Geheimnisse des Universums zu lüften.

Die Echtzeit-Messwerte dieser seltsamen Teilchen steuern die Lichter während der Aufführung, was sich auf die Choreografie und Komposition auswirkt. Das Ergebnis ist eine außergewöhnliche, 30-minütige, halb improvisierte zeitgenössische Tanz- und Musikperformance, bei der Klang, Bewegung und Echtzeit-Teilchenphysikdaten diese faszinierenden Konzepte erforschen.

Dieses Stück wurde in Zusammenarbeit mit einer generationenübergreifenden Besetzung von 17 Tänzern und 12 Musikern im Rahmen einer Reihe von Gemeinschaftsworkshops geschaffen. Die Premiere fand im Magna Science Adventure Centre im Vereinigten Königreich statt. Bei dieser Installation kamen eine Reihe neuer Technologien und Techniken zum Einsatz.

Die Installation basiert in hohem Maße auf maßgeschneiderter Technologie, die speziell für das Projekt entwickelt wurde. Dazu gehören gehackte Versionen der kosmischen Uhr, die Live-Daten der kosmischen Strahlung in MIDI und DMX umwandeln können, die dann zur Auslösung von Klängen, Vibrationen, Beleuchtung und Projektionen verwendet werden.

Die Kompositionen werden mit dem d&b Soundscape-System gemischt, um ein vollständig immersives Klangerlebnis zu schaffen.

Es basiert auf Ableton Live und wurde mit maßgeschneiderten Max-for-Live-Geräten erstellt, um Samples und eine sich ständig verändernde Reihe von Klangpaletten auszuwählen. Die Klänge werden über Dante verbunden.

Das Stück verwendet außerdem einen Arduino in jedem Detektor, und das Ganze basiert auf einem maßgeschneiderten Patch in Processing, um alle Elemente zu verbinden.